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Faire la révolution – au théâtre

L’évolution de la révolution sur scène depuis 1968

 « La Mère » (Brecht/Gorki), mis en scène en 1970 par le collectif de la Schaubühne à Berlin-Ouest et « Revolution Now ! » de 2010 du collectif anglo-allemand Gob Squad abordent de front la question de la révolution et son ancrage dans la société. Tandis que « La Mère » se voit comme un hommage à la révolution russe de 1905 et à l’histoire révolutionnaire du prolétariat en général, « Révolution Now ! » s’approche du sujet avec la distance et l’ironie du théâtre postdramatique.

La Schaubühne, un théâtre dans le quartier Kreuzberg à Berlin Ouest, existait déjà depuis 1962 en tant que théâtre engagé, mais elle a été refondée en 1970 avec l’arrivé d’un collectif de jeunes gens de théâtre, constitué du metteur en scène Peter Stein et d’une vingtaine de comédiens. Les activités de la Schaubühne sont intimement liées au contexte historique à la fin des années 1960. En 1970, le mouvement étudiant et protestataire avait déjà dépassé son apogée, mais ses idées étaient toujours très vivantes – également parmi les gens du théâtre. Avec l’ambition de démocratiser les structures de l’institution théâtrale et même le travail artistique, le collectif de la Schaubühne reprend en effet une des revendications principales du mouvement. La démocratisation du théâtre s’inscrivait dans une démarche révolutionnaire. Par l’organisation démocratique du théâtre et la création collective on voulait non seulement révolutionner le théâtre, mais – en longue terme – la société toute entière. Les gens du théâtre « progressistes » se voyaient en effet comme l’avant-garde révolutionnaire d’une société à venir. Il s’agissait par ailleurs d’une idée très répondue à l’époque, l’idée que le secteur culturel pourrait jouer le rôle de pionnier dans l’évolution de la société vers le socialisme/communisme. Rappelons-nous que les aspirations marxistes étaient caractéristiques du mouvement étudiant et que le communisme était considéré non seulement comme une alternative valable mais comme la solution à tous les maux existants. Comme la mise en scène de « La Mère » le montre, le socialisme version soviétique n’était pas encore discréditée (probablement) du fait que l’on ne savait pas encore ce qu’il se passait vraiment de l’autre côté du rideau de fer. Aperçus comme des « ilots dans le capitalisme », les théâtres cogérés tentaient donc de réaliser l’utopie révolutionnaire de 1968 – par les moyens du théâtre et (dans un premier temps) à l’intérieur du théâtre.

« La Mère » véhicule de manière représentative l’esprit révolutionnaire de l’époque. Il s’agit de la première mise en scène du collectif de la Schaubühne. La pièce de Brecht raconte l’histoire d’une vieille femme prolétaire, d’abord hostile aux idées révolutionnaires de son fils, mais qui, au fur et à mesure, se familiarise avec celles-ci et se transforme en une fervente communiste. Après la mort de son fils lors de la révolution russe de 1905, elle devient symboliquement la mère du mouvement révolutionnaire et de la classe prolétaire toute entière. La lutte des classes est ici présentée comme la seule réponse possible aux conditions de vie du peuple et la révolution comme l’unique moyen de les améliorer durablement. Esthétiquement, la mise en scène renoue avec le théâtre prolétaire de la République de Weimar et le théâtre agit-prop des années 1920 et 1930. L’esthétique simple et l’action stylisée mettent la parole et ainsi le message véhiculé en avant. L’acteur principal est le collectif et ceci sur plusieurs niveaux : d’abord le collectif fictif de la cellule révolutionnaire qui se sacrifie pour sa cause, puis le collectif réel des comédiens de la Schaubühne, porteur de la mise en scène et de sa dramaturgie, et enfin le collectif idéel de la classe prolétaire qui, selon la théorie marxiste, représente la force progressiste de l’histoire universelle. « La Mère » se voit comme une révérence à la classe ouvrière et ses révolutions. On célèbre l’histoire prolétaire avec sérieux et pathos. Avec « La Mère », la Schaubühne se présente comme héritière des mouvements révolutionnaires historiques. Elle regorge de nostalgie d’un passé apparemment glorieux mais reflète également la croyance optimiste en la possibilité d’un changement révolutionnaire qui prédominait à la fin des années 1960 dans une partie de la population ouest-allemande.

D’une toute autre manière, « Revolution Now ! » se réfère à la révolution et son histoire. Il s’agit d’une mise en scène du collectif Gob Squad, une troupe constituée d’acteurs allemands et britanniques. Ils vivent et travaillent principalement à Berlin, mais présentent leurs performances un peu partout au monde. Dans cette performance multimédia, les acteurs déclarent l’institut d’art contemporain à Londres comme occupé et quartier général de la révolution. Le spectacle est retransmis en direct au monde extérieur (à travers un petit écran en dehors du théâtre, visible pour les passants). Comme nul n’ignore qu’on a besoin du « peuple » pour faire la révolution, un des performeurs, armé d’une caméra, se met à la recherche de celui-ci aux alentours de l’institut. Les spectateurs assistent alors en direct à la recherche infructueuse des londoniens enclins au renversement révolutionnaire de la société actuelle. Tout espoir semble perdu jusqu’à ce que le performeur tombe sur Guillaume, un étudiant Erasmus – français ! La révolution est sauvée ! La fin du spectacle voit le jeune étudiant, applaudi par le public, agiter un drapeau rouge sur la scène de l’institut d’art contemporain. Malgré cet happy-end, l’idée de la révolution ne semble plus abordable qu’avec une attitude moqueuse. Ceci se manifeste par exemple dans le fait que les performeurs parlent de Guillaume comme « le peuple » : l’étudiant décontracté souriant timidement à la caméra est en parfait décalage avec la représentation mentale du peuple en tant que héros révolutionnaire – d’autant plus qu’il s’agit d’un seul individu et non pas d’une « masse ». La mégalomanie du projet ainsi que la certitude qu’il sera voué à l’échec est ainsi rendue à l’évidence. La performance à conception ouverte qui dépend largement du hasard doit de toute façon envisager l’impossibilité de trouver un candidat prêt à jouer « le peuple ». Ceci renforce son attitude pessimiste par rapport à la révolution. Malgré le caractère comique de la mise en scène, la révolution n’est pas ridiculisée. La quête des performeurs de « something bigger » et de « togetherness » semble sincère. Dans « Revolution Now ! », ce n’est pas la révolution qui est sur le devant de la scène, mais cette recherche aussi ardente que désespérée de ce qu’il en reste dans notre société postmoderne, où le capitalisme aurait absorbé tout mouvement révolutionnaire en le commercialisant. Contrairement à « La Mère », « Revolution Now ! » soulève plus de questions qu’il ne donne de réponses : La société d’aujourd’hui n’est-elle plus compatible avec l’utopie d’un futur meilleur ? Le rêve de la révolution aurait-il disparu en même temps que la classe ouvrière ? Quelle idée du commun aurait survécu à l’effondrement des idéologies et pourrait vaincre l’individualisme contemporain ? L’ironie de « Revolution Now ! » semble affirmer que nous sommes arrivés à la fin de l’histoire, déclarée après la chute du mur, et que la révolution n’aurait en conséquence plus aucun sens. D’un autre côté, émane de la performance une certaine nostalgie envers les grands moments révolutionnaires, envers la foi en la révolution ainsi qu’envers la certitude inhérente au marxisme que tout finira bien. Les vidéos anciennes, projetées sur l’écran à l’arrière de la scène et montrant des rassemblements insurgés historiques en témoignent aussi bien que les références à l’âge d’or du théâtre politique, les années 1960, où théâtre et révolution semblaient aller de pair. Le titre même de la performance fait référence à la mythique pièce « Paradise Now ! » de 1968, une création collective de la troupe américaine The Living Theatre, qui comptait unir acteurs et spectateurs et les amener ensemble, en sept étapes, à la révolution permanente. On pourrait ainsi conclure qu’à travers le scepticisme de « Revolution Now ! » luit l’espoir que « faire la révolution » pourrait, à l’ère d’un capitalisme sans alternative, toujours être davantage qu’un slogan publicitaire.

A l’exemple de « La Mère » et « Revolution Now ! », l’on peut montrer l’évolution de l’idée que l’on se fai(sai)t au théâtre de la révolution. Si en 1970 la possibilité d’une révolution était encore concevable, même fortement désirée par certains, elle se présente plus ambiguë de nos jours. Si l’utopie n’a pas perdu sa force d’attraction, la révolution – sous sa forme classique de soulèvement des masses – ne semble plus être imaginable. Et pourtant, « Revolution Now ! » montre que la disparition de la foi en la révolution a laissé un vide. Reste à savoir si l’on continue à le boucher avec les solutions proposées par l’économie de marché ou si l’on tentera de le combler avec une nouvelle matière révolutionnaire adaptée au 21e siècle. Et si le théâtre détenait la réponse ?


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